Ci sono avvenimenti musicali
che sono molto attesi dai melomani progressivi, come ad esempio un concerto de
“La maschera di cera “, ensemble che ha caratterizzato il nuovo millennio
progitaliano con opere di grande valore. L’occasione di rivederli all’opera
dopo oltre due lustri di assenza è avvenuta a Genova presso la Claque il 24
marzo 2023, seconda data -prima italiana- di un tour mondiale che sancisce e
celebra i 20 anni più 1 della band con una scaletta antologica che spazia
totalmente tra i sei album in studio.
La formazione prevedeva il
“trio delle meraviglie COZUMA”, i formidabili membri fondatori Alessandro Corvaglia: voce e chitarra
acustica, Fabio Zuffanti: basso e Agostino Macor: tastiere, coadiuvati
dall’inossidabile Martin Grice al flauto e sax che un dolore persistente al
piede non gli ha impedito -more solito- di essere strepitoso e la new entry
Andrea Orlando (La Coscienza di Zeno, Finisterre etc..) alla batteria il cui “drummerismo”
è apparso sempre convincente ed efficace.
Le due ore del concerto sono
state di una intensità vibrante e il pubblico presente, un pò d’âgé invero, ha gradito con applausi
possenti.
Miriade di emozioni positive,
una pletora di sensazioni che ha fatto breccia a livello cognitivo e viscerale,
della serie “ anvedi sta Maschera come ci da!!! “
Già con l’intro registrata de
Il canto dell’inverno da Il grande labirinto del 2003 si entra in climax e con la
comparsa dei componenti della band sul palco si riaprono le porte non del
domani ma del qui e ora, godersi il live è la missione precipua della serata.
La doppietta iniziale da
LuxAde del 2006 con Doppia Immagine e Orpheus lascia prelibatezza nel palato di
chi saliva per questo tipo di sound come il riflesso condizionato dei cani di
Pavlov udendo la campanella.
Segue Fino all’aurora da Petali
di fuoco del 2009, brano che chi scrive ha nel cuore anche perché all’epoca
dell’uscita il figlio di allora 9 anni l’aveva selezionata per la sua playlist
dell’epoca, incredibile dictu!
Nel rock progressivo si sa che
i pezzi devono essere lunghi e se poi sono sui venti minuti di durata meglio
ancora e allora ci pensa La maschera di cera con il brano omonimo tratto dal
disco d’esordio 2002 con i suoi sei movimenti (Il tuo volto, la tua gente, il
tuo rifugio, la tua irrealtà, la tua guida, la mia fine) a saturare la voglia
di full length delle tracce anche in un concerto dal vivo.
E' il tempo de Nuova luce da LuxAde che
fa da preambolo ad uno dei momenti determinanti e più attesi dello spettacolo ossia
la trilogia (La guerra dei 1000 anni, Ritratto di lui e l’enorme abisso) tratta
da “Le porte del domani” disco fondamentale del 2013 che riprende le vicende
dei pianeti Felona e Sorona del mitico album delle Orme di cinquanta anni fa,
terminando la storia con una luce di speranza che crea una fiammella di fiducia
in questi tempi oscuri.
Gli ultimi due brani, Il
cerchio del comando e Vacuo senso, prima dei bis sono estrapolati da S.E.I., il
sesto album della band del 2020 il cui acronimo ha un significato ben preciso: Separazione/Egolatria/Inganno.
Dopo un brevissimo intermezzo
di acclamazione per farli tornare sul palco, il quintetto si ripresenta con la
bonus track dell’album Il Grande labirinto del 2003 ossia La Consunzione, brano
ispirato che lascia spazio ad un finale sublime con l’ intensa ballad de La
notte trasparente tratta da Petali di fuoco, interpretata e non solo cantata
magistralmente da Corvaglia, degna conclusione di un avvenimento davvero
gratificante.
In ascolto il primo movimento "Il tuo volto" de la suite La maschera di cera
Epilogo con una storiella
minima con i titoli dei brani della scaletta del concerto genovese in
maiuscolo.
ORPHEUS, dopo aver intonato IL
CANTO DELL’INVERNO per tutta LA NOTTE TRASPARENTE FINO ALL’AURORA, con la NUOVA
LUCE del giorno scoprì nel RITRATTO DI LUI una DOPPIA IMMAGINE positiva di se
stesso. Una proiezione metafisica ben lontana da quelLA CONSUNZIONE che aveva
creato un VACUO SENSO durante L’ENORME ABISSO della GUERRA DEI 1000 ANNI.
ORPHEUS segnando con vigore IL CERCHIO DEL COMANDO sul suo cammino, indossò LA
MASCHERA DI CERA trovando finalmente l’armonia.
A seguire l'intervista al trio COZUMA prima del live genovese.
In occasione del debutto del Diego Bachero Trio previsto per il prossimo 15 aprile all'Angelo Azzurro Club di Genova (vedi locandina), abbiamo avuto la sorte e l'onore di intervistare un importante artista della scena musicale genovese e non solo, una persona splendida e disponibile come Diego Banchero che ha risposto con entusiasmo alle nostre domande.
Diego, nella breve descrizione della tua official web page https://diegobanchero.it.gg, ti autodefinisci bassista, compositore, arrangiatore,
insegnante di musica, sound engineer….ma se ti dovessi presentare a chi non ti
conosce in poche righe cosa diresti di te?
Grazie per la domanda Mauro, solitamente non mi è facile fare una presentazione
troppo contenuta perché faccio (e ho fatto) davvero tante cose nel corso della
mia vita. Non vado totalmente fiero di questa mia caratteristica perché non è
del tutto positiva ed è frutto di una certa incapacità di trovare pace e
soddisfazione.
Nel
nostro caso si parla principalmente di musica e posso saltare tutta una serie
di passaggi e dire di essere un musicista che cerca di mettersi alla prova in
più esperienze. Alcune delle attività passate che hai menzionato non le pratico
più da tempo per via dei troppi impegni. Tra queste ci sono, ad esempio, quella
di insegnante e quella di sound engineer.
Sono,
invece, ancora molto attivo in più progetti come compositore e bassista (anche
come turnista in contesti più commerciali).
Come mai sei diventato un musicista? quando è scattata la scintilla per
accostarti ad Euterpe, la dea della musica?
Ho sentito la “vocazione” per la prima volta intorno ai 10 anni e ho convinto i
miei genitori a mandarmi a lezione di chitarra. Purtroppo non avevo attorno un
contesto troppo interessato alla musica (se si esclude qualche amico e un
cugino che aveva fatto del professionismo tra gli anni ’60 e gli anni ’70 come
bassista), quindi mi sono demotivato piuttosto velocemente e ho lasciato
perdere.
Solo
intorno alla fine delle scuole superiori mi sono appassionato al metal. In quel
periodo è nato un amore talmente forte per band come Iron Maiden, Black Sabbath
e Judas Priest da farmi comprendere che la mia vita doveva essere spesa con uno
strumento tra le mani. Ho preso in prestito il basso di mio cugino e sono
partito a “spron battuto”. Da quel momento non mi sono più fermato e ho cercato
di imparare tutto quello che poteva arricchirmi come strumentista; a tale scopo
ho approfondito molti generi differenti di musica.
Il 15
aprile avverrà all’Angelo Azzurro di Genova l’esordio del Diego Banchero Trio,
ci puoi sintetizzare la genesi di questo stimolante nuovo progetto?
Dai tempi
successivi agli studi alla Scuola Jazz Quarto (Genova), non ho più avuto un
progetto a mio nome, ma mi sono sempre dedicato a mettere tutte le mie energie
al servizio di progetti che non mi vedevano in primo piano (pur essendone quasi
sempre il compositore principale e il direttore esecutivo).
Da tempo avevo voglia di
concedermi qualche esperienza come solista. Questo non sarà l’unico progetto
che intendo portare avanti in tal senso, ma è un punto di partenza.
Con Fernando e Roberto
abbiamo deciso di riarrangiare in chiave strumentale alcuni brani dei nostri progetti
attuali e passati (e abbiamo anche aggiunto alcuni inediti). Siamo partiti e
abbiamo trovato un nostro approccio con poche prove. Siamo molto contenti e ci
stiamo divertendo tantissimo.
Ne è uscita una sorta di
jazz-rock-prog-fusion caratterizzata dal nostro stile e dalle nostre sonorità
“noir” (uso questo aggettivo per sintetizzare).
Ovviamente il basso avrà
un ruolo di maggior rilievo rispetto al solito.
Seppure i
tuoi due compagni d’avventura, Roberto Lucanato alle chitarre Fernando Cherchi
alla batteria,siano amici /collaboratori da vari anni, com’è suonare senza farlo
sotto il moniker de “ Il segno del Comando” ?
Noi tre siamo
molto affiatati. Abbiamo condiviso tante altre avventure precedenti a Il Segno
del Comando (tra cui un’esperienza come turnisti in un tour del Regno Unito con
i Blooding Mask). Abbiamo suonato assieme in diversi paesi esteri e registrato
molti dischi. Qualsiasi cosa si faccia ci si intende a meraviglia.
Di fatto
cosa accadrà a voi tre quella sera su quel palco, ci puoi "spoilerare" qualcosa
sulla scaletta?
Eseguiremo delle versioni strumentali di brani de Il Segno del Comando, Egida
Aurea, Ballo delle Castagne, qualche pezzo inedito e una cover. Le atmosfere
spaziano tra l’horror-soundtrack, il poliziottesco, il jazz-rock e qualche
richiamo al nostro periodo folk.
Tutto
questo materiale (che, tranne la cover, ho composto negli anni) sarà
riarrangiato completamente per essere eseguito dalla formazione ristretta a tre
elementi. Ci sarà molta improvvisazione nelle parti solistiche.
Quanto è differente “raccontare una storia” attraverso un brano totalmente
strumentale rispetto a composizioni che hanno testo e musica?
Io ho sempre avuto un approccio compositivo “da colonna sonora”. Amo molto
anche scrivere i testi, ma non disdegno la musica strumentale. Si lavora sul
non verbale, ma la mole di contenuti emotivi che si possono trasmettere non è
necessariamente inferiore rispetto a quelle situazioni in cui la musica prevede
una parte lirica. Avendo,
in passato, suonato molto jazz tradizionale (in cui l’intervento dei cantanti
era abbastanza raro) mi sembra di tornare un po’ alle origini.
Se ti dico Fabio Pignatelli tu cosa mi rispondi?
Fabio Pignatelli è di sicuro un bassista che mi ha influenzato molto. Sono
sempre stato un fan dei Goblin (ispirazione fondamentale per Il Segno del
Comando).
Ho
sviluppato uno stile piuttosto diverso da quello di Fabio dal punto di vista
tecnico, ma ciò non toglie che, analizzare il suo lavoro, sia stato per me
molto importante dal punto di vista formativo.
E se ora ti dicessi Jazz cosa inizierebbe a pensare la tua sensibilità
musicale?
Io non ho fatto studi classici. All’epoca il corso di basso elettrico non era
neanche presente nei conservatori.
Quando
ho sentito il bisogno di approfondire i miei studi mi sono iscritto alla già
menzionata Scuola Jazz Quarto di Genova. Ho avuto maestri che erano musicisti
di fama internazionale, ho fatto molti seminari con nomi importantissimi della
scena mondiale e ho amato ed amo tantissimo questo genere di musica. Lo ascolto
sempre con piacere!
Purtroppo
non ho più tempo per mantenermi sufficientemente preparato per suonarla. Ho
troppi impegni per farlo.
Nella tua carriera musicale ci sono molteplici esperienze musicali e
collaborazioni, quali sono quelle che ti hanno dato più soddisfazione?
Le esperienze più importanti e complete sono state senza dubbio quella con Il
Segno del Comando e quella con Egida Aurea.
Comprendo che sia sempre difficile fare scelte di merito ma ti chiedo quali
sono i tuoi top 3 dischi tra quelli a cui hai collaborato come compositore/strumentista?
I tre album che della mia discografia che preferisco sono: “L’Incanto dello
Zero” (Il Segno del Comando), “La mia Piccola Guerra” (Egida Aurea) e “Surpassing
all Other King” (Ballo delle Castagne). Ovviamente amo anche gli altri lavori,
ma sono particolarmente legato a questi tre.
Tra quelli della storia della musica, quali dischi, uno italiano e uno
straniero, ti porteresti sull’ isola deserta e come mai?
La scelta è difficilissima, però provo a menzionare due album. Il primo è “Anime
Salve” di De Andrè. Ho amato Fabrizio fin da bambino e sull’isola, questo suo
disco, manterrebbe vivo in me il ricordo della mia Genova. Il secondo è “Live
One Summer Night” di Paco De Lucia (perché ci sono atmosfere che amo e perché mi
soddisfa molto anche dal punto di vista bassistico).
Tu, come professione, da tempo lavori come operatore sociale con persone che sono in difficoltà, qual è lo stato d’animo di Diego nell’accostare cotanta fragilità e umanità e quali “doni spirituali” ti offrono i pazienti.
Io lavoro come educatore professionale da 32 anni. Nell’ambiente in cui opero la
sofferenza è molta, ma le soddisfazioni (per chi affronta questo impegno con lo
scopo di far stare meglio chi è più fragile) sono tante.
Mi
sono sempre occupato volontariamente di casi particolarmente problematici, come
ad esempio le persone che soffrono di autismo “a basso funzionamento”.
In
passato si è presentata la possibilità di fare il musicista a tempo pieno, ma
ho preferito continuare con questa professione riabilitativa.
Personalmente,
negli anni, sono andato in contro a molto dolore, ma questo mi ha permesso
anche di fare un lavoro profondo sulla mia emotività (e questo è sicuramente
uno dei maggiori doni potessi ottenere).
Per
essere un buon educatore non bisogna solo saper ‘fare’, ma bisogna ‘essere’. Io
ho fatto mia questa filosofia e cerco di migliorarmi giorno per giorno. Così
farò fino alla fine del tempo che mi sarà concesso in questa dimensione.
Ogni
volta che si favorisce la crescita di qualcuno si contribuisce inevitabilmente
anche alla propria.
A mio
modesto parere, l’unico stato d’animo con cui ci si può accostare alla
fragilità è quello di chi prova e trasmette amore.
L’interesse
per la spiritualità e per l’esoterismo si sono integrati sempre perfettamente
con la mia formazione scientifica che è partita in ambito psicodinamico, ma che,
col tempo, si è estesa in una direzione multidisciplinare.
In ultimo: la tua dimensione in trio avrà un seguito o si tratta di un episodio
a se’ stante?
Io spero vivamente che quest’avventura prosegua negli anni a venire.
L’intenzione c’è tutta! Ho sempre amato questo tipo di formazione perché lascia
molto spazio ai musicisti e li mette alla prova in una sfida impegnativa.
Ringraziando Diego Banchero, in ascolto da uno dei lavori preferiti dall'autore ossia “L’Incanto dello Zero” (Black Widow Records) de Il Segno del Comando, la settima traccia "Nel labirinto spirituale"
I Periphery sono un gruppo formatosi nel 2005 a Bethesda cittadina del sud della Contea di Montgomery nello stato di Maryland a nord-ovest di Washington, il tutto grazie al chitarrista Misha "Bulb" Mansoor . Dopo alcuni tour di supporto ad altri gruppi (DevilDriver, Emmure, Veil of Maya, Animals as Leaders, God Forbid, The Dillinger Escape Plan e Fear Factory etc..) nel 2010, dopo alcuni cambi di line up soprattutto tra i vocalist, il combo statunitense è riuscito ad autoprodurre l'omonimo album d'esordio che ha ottenuto un buon riconoscimento di critica e pubblico. In questi anni, l'ensemble sempre capitanato da Mansoor ha rilasciato alcuni E.P. e altri sei full length (Periphery II: This Time It's Personal nel 2012, Juggernaut: Alpha e Juggernaut: Omega nel 2015, Periphery III: Select Difficulty nel 2016,Periphery IV: Hail Stan nel 2019 e Periphery V: Djent Is Not a Genre il 10 marzo 2023).
Il loro genere è un metalcore combinato con prog metal di ottima qualità con fraseggi chitarristici degni di nota.
Line up 2023: Spencer Sotelo: voce. Misha Mansoor, Mark Holcomb eJake Bowen: chitarre. Matt Halpern: batteria. Ospiti: Adam "Nolly" Getgood: basso e Jørgen Munkeby: sassofono.
Per approfondire l'essenza del nuovo disco abbiamo posto alcune domande al musicista laziale, ecco l'intervista.
Lorenzo,
è interessante comprendere la storia di questo progetto, per te che
sei musicista laureato al conservatorio, raccontaci com’è nata
l’esigenza di comporre e registrare un album di solo pianoforte?
Ho
sempre desiderato di registrare un album in piano solo, sia perché
consente molta libertà a livello esecutivo dal momento che non ci
sono altri musicisti con cui interagire, sia perché rappresenta una
sfida, a livello sia tecnico che espressivo, molto impegnativa.
Dieci
brani per oltre cinquanta minuti di musica, nove inediti più uno
splendido omaggio ai Beatles con We can work it out (un loro singolo
del 1965 coverizzato anche dai Deep Purple in The book of Taliesyn
nel 68), ci descrivi sinteticamente, traccia per traccia, la genesi
di ogni composizione?
Incipit
è semplicemente una breve introduzione nata da un’improvvisazione.
A
Piece of Cake è una sorta di brano folk molto vivace, anche se in
alcuni punti compaiono delle armonie più moderne.
Spider
è un misto di jazz modale e tonale, con una sezione centrale che
riprende probabilmente alcuni elementi più legati al progressive
rock o comunque ad un jazz moderno.
Hide
and Seek è un pezzo più delicato, in cui ho tentato di unire delle
melodie molto cantabili e pop ad una struttura più elaborata.
We
Can Work it Out è il mio omaggio ad uno dei miei brani preferiti dei
Beatles, che ho riarrangiato in maniera più jazz/soul.
Eleventh
Avenue è ispirato alla musica di Thelonious Monk, in cui ho ripreso
per l’appunto l’utilizzo degli accordi di undicesima diesis molto
utilizzati dal pianista.
‘Round
Midday è un’altra composizione dedicata a Monk e liberamente
ispirata a ‘Round Midnight, di cui ho ripreso le prime quattro note
del tema.
In
a Haunted House è il brano più progressive dell’album, una sorta
di mini suite con molte sezioni.
Anything
to Say è un brano molto melodico in cui ho sperimentato l’unione
di melodie folk, armonie jazz e alcune atmosfere provenienti dalla
musica impressionista.
Egg
Dance è una veloce danza in tre quarti.
Quanto
è differente “raccontare una storia” attraverso un brano
totalmente strumentale rispetto a composizioni che hanno testo e
musica?
Personalmente,
trovo più stimolante provare a suscitare delle emozioni
semplicemente con le note. Ho scritto dei testi (e continuo a farlo),
ma al momento sono maggiormente interessato alla suggestione della
musica strumentale, da un certo punto di vista anche più potente di
quella con un testo, in quanto non legata al significato delle
parole.
Se
ti dico Thelonious Monk cosa mi rispondi?
Monk
è stato l’oggetto di studio della mia tesi del triennio di
Pianoforte Jazz ed è uno dei miei pianisti preferiti, sia per
l’innovazione nell’approccio esecutivo, sia per la bellezza delle
sue composizioni.
Com’è
suonare in un disco senza i tuoi compagni di avventura progressiva
dei Mobius Strip?
Ho
pensato che le composizioni di In
a Haunted House
avrebbero funzionato meglio in piano solo, per cui non mi sono
avvalso della collaborazione dei miei colleghi per questo progetto.
Ovviamente con i Möbius Strip continuiamo a suonare assieme, stiamo
anche lavorando sul nostro terzo album.
Le
copertine dei due dischi dei Mobius Strip erano “fumettistiche”
seppur di grande spessore grafico, di tutt’altro genere quella di
“In a Haunted House”, com’è nata questa scelta?
Sebbene
credo che la musica di In a Haunted House sia molto varia, dato
l’utilizzo del solo pianoforte è probabilmente più legata ad un
senso di introspezione (seppure ci siano molti brani energici e
gioiosi), mentre quella dei Möbius Strip è più potente a livello
sonoro, per cui ho ritenuto opportuno utilizzare un altro tipo di
copertina per questo lavoro. Fortunatamente, Franco Valente è un
caro amico di famiglia ed un ottimo fotografo, per cui sapevo che
avrei potuto contare su di lui.
Una
giornalista sul web ti ha definito: “Un prodigio della musica.
Giovane di talento e appassionato”, cosa provi nel leggere siffatte
lodi?
Ovviamente
sono lusingato, ce la metto tutta per provare a dare il mio piccolo
contributo.
Tu
oltre ad essere valente compositore e pianista sei anche un
ingegnere. Tra le qualità precipue della categoria professionale c’è
quella di essere un leader, come artista ti rispecchi in tale
peculiarità?
Non
mi considero un leader, semplicemente ci sono alcuni progetti
musicali di cui faccio parte in cui, essendo io il principale
compositore, so di essere il più indicato a dirigere i lavori.
Il
tuo debutto solistico avrà un seguito o si tratta di un episodio a
se’ stante?
Attualmente
sto lavorando su diverse composizioni per il progetto da solista.
Molto probabilmente il prossimo disco non sarà di nuovo in piano
solo perché sto scrivendo principalmente per formazioni più estese,
spero comunque di continuare ad avere la possibilità di promuovere
In a Haunted House dal vivo prima del prossimo album.
I Paranoid Void, un trio femminile, si è costituito ad Osaka nel 2013. Il combo giapponese è formato da Meguri alle chitarre e alla voce, Yu-Ki al basso e Mipow alla batteria. Nel 2015 hanno pubblicato il singolo "Exit From the Void". L'anno successivo l'EP "Pop Music" con l'etichetta Apple of my Eye. Nel 2017, sempre per la medesima label, è stato rilasciato il loro full-length di debutto "Literary Math". Il 26 agosto 202 è stato pubblicato il secondo disco "Travels in my universe". All'inizio il loro stile era più orientato verso un post-punk aggressivo, successivamente il tappeto sonoro si è plasmato di math rock dalle tinte progressive con sfumature jazzy.
Il nuovo lavoro del quartetto toscano è un concept album, declinato in inglese, che si dipana in tre parti (Ego, Omnis e Echo) ed è la storia di un popolo che migra tra due pianeti vicini i quali in realtà hanno la stessa sorte di essere in qualche modo non adatti ad ospitare le perigrinazioni di persone alla ricerca di un luogo (anche metafisico) dove stare.
Il full length è un'altra chicca compositiva divisa in tredici tracce (di cui quattro strumentali: Habitat, Cryosleep, Out of caves,Seasons passing by) per oltre 73 minuti di musica che spazia tra un hard rock progressive dalle tinte Aor a parti melodiche raffinate con intrecci formidabili tra gli strumentisti che lasciano al fruitore una miriade di sensazioni positive con echi folk, financo jazzistiche e misture vocali sublimi .
Un disco di grande livello tecnico ed emozionale con l'artwork di Denni Fucci e in copertina la modella Costanza Vuolato.
Dopo l’eccellente lavoro d’esordio “Cosmically nothing” di cui parlammo già in questo blog (vedi: http://progressivedelnuovomillennio.blogspot.com/search?q=minDance ), il
6 gennaio 2023 per Lizard Records di Loris Furlan è uscito il vostro fulgido
secondo full length “Colors” , ci potete raccontare la genesi del
progetto?
In
realtà la nostra genesi ha origine con l’ingresso nella band di
Peppe, il bassista. E’ da allora (fine 2015) che prende vita il
progetto minDance definitivo, producendo tanta musica, compresi
Bluesing eTimes, che sono stati inseriti successivamente in “Colors”.
Quindi più che di genesi parlerei di un progetto che ha avuto una
genesi, ma che è in continua evoluzione, “Colors” ad esempio,
secondo me, è un disco di passaggio, contiene infatti segnali
evidenti di nuove sperimentazioni che guardano oltre lo stesso
“Colors”. (Max)
In
effetti, Colors, non è nato come recente progetto ma come opera che
recentemente si è arricchita. Già infatti, durante le registrazioni
di Cosmically Nothing, stava attecchendo e germogliando il seme di
Colors. Brani come Bluesing (pt 1&2) e Times facevano già parte
del nostro repertorio ma hanno ricevuto qui il loro inquadramento
definitivo. Proprio il concetto di “definitivo”, di “statico”
è quanto di più lontano ed antitetico al nostro modo di essere
musica. Colors, non è altro che il “fermo immagine” del nostro
sentir musica adesso. (Peppe)
Il
progetto "Colors" non ha data d'inizio nè un brogliaccio a
cui riferirsi. E', piuttosto, il proseguimento di un percorso
iniziato con "Cosmically nothing" e che, nelle intenzioni,
vuole andare oltre "Colors". (Toni)
Vi chiedo, facendo una guida all’ascolto, di descrivere sinteticamente
ogni singola traccia delle sette che compongono l’album?
-
BLUESING part 1 : è il tuo mondo, quello in cui vivi..crudo,
meccanico, grigio...dove provi, cionononstante , a cercare
diversi punti di vista, nuove prospettive, nuovi...colori
-
COLORS :... è il cromatismo possibile, la virtuale riscoperta di
un'interiorità perduta nel grigiore, il colore nei volti persi e
ritrovati, i luoghi al di sopra del tempo e al di sopra di noi
stessi...non dimenticarlo mentre...
-
TIMES : ...le voci del mondo in cui sei nato ti rincorrono
caoticamente lottando e rattoppando, contraendosi e perdendosi mentre
i tuoi dèi alienano l' umanità perversa di bande...
-
GANG'S LAW :... di cui non avresti voluto saperne, bande vuote di
colore e piene di ossessioni che provano a corromperti, a trascinare
la tua anima per mutarne le condizioni...provi a liberarti della
legge della gang e sai che puoi...
-
HYPNOSIS : ...anche farcela, a fronte della sua limitata strategia,
mentre i detriti di luci confuse si posano sulla tua pelle e fragili
illusioni vanno scomparendo. La luce ipnotica che adesso ti circonda
è libera e profonda e trascina in mistici voli in cui ri-trovarti e
ri-conoscerti ...
-
BLUESING PART 2 : ...nelle note millenarie che si rincorrono gioiose
e profonde, semplici e complesse, ad avvolgerti e proteggerti in un
viaggio non più sorprendente perchè pienamente compreso...
-
NAMASTE' :...è il nostro inchinarsi a te, viaggiatore...il nostro
saluto a te che hai con il tuo viaggio dato un senso a tutto ciò.
(Toni)
Psichedelia
del terzo millennio, post prog moderno, heavy prog, space rock etc…
sono tutte etichette per orientare l’ascolto ma voi come minDance
come vi definireste?
Non
ho mai amato le etichette, ma mi rendo conto che sono utili nei
giusti contesti. La musica di minDance ha diverse anime che vengono
dalle diverse quattro formazioni musicali dei musicisti, vissute
anche in quattro differenti epoche storiche. Da questa unione è
venuto vuori del rock, della psichedelia, del dark, del prog metal,
sfumature di jazz, elettronica, ambients, space rock. In sintesi non
ho idea di come si possa etichettare il nostro genere. (Max)
Noi
non ci definiamo. Semplicemente a noi piace navigare in noi stessi ed
essere la scogliera su cui si infrangono le onde delle nostre vite.
Il risultato fragoroso e spumeggiante di questo contatto è la nostra
musica. (Peppe)
Il
massimo del narcisismo sarebbe il non poter essere riferiti e
riferibili ad alcun genere;vorrebbe dire essere riusciti a
"inventare" altro rispetto all'esistente ; ma ciò
significherebbe, anche, il non poter essere fruibili da chicchessia
giacchè tanto nuovo dovrebe essere da non poter essere
comprensibile. Ed allora, essendo la nostra proposta musicale un
probabile mix di generi diversi,lasciamo che ognuno vi riconosca ciò
che più gli è vicino. (Toni)
E’
differente “raccontare una storia” attraverso un brano
totalmente strumentale rispetto a composizioni che hanno testo e
musica?
Certo
c’è differenza, muovere le corde emotive con un brano strumentale
potrebbe apparire più difficile non avendo un contesto preciso dato
da una lirica, da un contenuto concettuale, e in questi casi, a mio
parere, è la chimica della band che la fa da padrona e che armonizza
e predispone all’ascolto. Quando il brano prevede il testo è
un’altra cosa, perché la voce diventa lo strumento principale e
indirizza i musicisti diventando anch’essa a volte semplice
strumento con vocalizzi. (Max)
Beh
indubbiamente l’associazione di un testo alla musica aiuta a
focalizzare il pensiero verso una determinata tematica. Ma ciò che
ci interessa è indubbiamente cosa questo contatto susciti
nell’ascoltatore. (Peppe)
L'eventuale
testo ha normalmente l'intento di positivamente condizionare
l'ascolto,indirizzandolo in certe direzioni piuttosto che in altre.
L'assenza di testo, viceversa, non pone limiti alla fantasia
dell'ascoltatore che può così tradurre in immagini "sue"
la musica che fluisce. (Toni)
Nel disco si sente chiaramente una chimica d’affiatamento
dell’ensemble, una possente coesione,come ci si sente a suonare assieme? Avete voglia di descrivere con uno o due aggettivi
ogni singolo componente della band compresi voi stessi?
Suonare
con i minDance per me è sempre stato, e continua ad esserlo, un
piacere perché mi emoziona e muove corde positive dentro di me; sono
certo che la potente coesione di cui parli tu sia la giusta somma
creativa dei minDance. Bè, Tonino certamente genio e sregolatezza,
Peppe potente rifinitore, Gianluca ottimo sperimentatore, e per
me...vediamo...minimalista. (Max)
Il
vero "ensemble" del gruppo sta nella volontà di ognuno di
creare quel "quid" che va aldilà e aldisopra delle
diversità che pure, e sostanziali, ci sono. Dalla qual cosa nasce
un'idea musicale che è esattamente la risultante delle diversità.
Nessuno di noi ha scelto "per affinità di genere" il
compagno con cui suonare. Cosicchè (dal mio punto di vista e dal mio
orientamento musicale), suonare con Peppe significa arricchirmi della
sua, rispetto alla mia, modernità ritmica ed armonica...suonare con
Massimo significa avere la certezza del riferimento di genere ritmico
su cui poggiarsi...suonare con Gianluca è un arricchimento di per sè
ed a prescindere, lui "fa crescere" nelle parti di ognuno.
(Toni)
Qualche
penna illustre del settore ha scritto che se i minDance invece di
essere molisani fossero scandinavi o abitanti della terra d’Albione
per uscite come “Colors” si griderebbe al capolavoro, come mai in
Italia è così difficile emergere dalla nicchia progressiva?
Penso
che in Italia, il paese che possiede il 70% del patrimonio artistico
culturale del mondo, l’arte e la cultura non siano ne tutelate ne
incentivate a dovere. L’epoca attuale la vedo, decadente e
totalmente indirizzata all’uniformità degli individui, non lascia
spazi alle nicchie di qualsiasi genere o forma artistica si tratti.
Ritengo inoltre i talent show, tra i principali indiziati, ma anche
tra gli addetti ai lavori nelle stesse nicchie a volte sembra di
girare a vuoto. (Max)
La
cultura e l'arte sono da sempre, nella storia dell'uomo, il segno
dell'identità e della diversità, della curiosità e della
creatività, della prospettiva e della profondità. Tutto questo è
stato fino a qualche tempo fa...poi il buio dell'omologazione ha
avvolto tutto. Ogni cosa è uguale ad un'altra e tutto diventa
superficialità ed apparenza. Preludio ed epilogo scompaiono per
lasciare il posto ad un'unica compatta ed insignicante parte
centrale. Tutti vogliono tutto e subito. Così un brano che volesse
invece "approfondire" non trova più spazio sommerso com'è
dalla banalizzazione del tutto. (Toni)
Mindance,
scritto però con questa grafia, è un applicazione di Google Play
per il benessere delle persone, voi auspicate di portare “colori”
nelle vite di chi ascolta la vostra musica, potete approfondire
questo concetto?
La
musica è qualcosa di magico e viene da molto lontano, non
basterebbero mille definizioni per poterla spiegare, per poter capire
perché si provano per essa emozioni così forti e fondamentali nella
vita di ogni essere vivente. Essere attore protagonista della sua
creazione è un piacere assoluto. La musica è gioia e dolore, è
vita e ricordi e i suoi colori se ben stesi sono inconfondibili.
(Max)
Indubbiamente,
il concetto di benessere, dello stare in pace o del conferire colore
per sostituire il grigiume che quotidianamente ci circonda, mi preme
intensamente. Senza dovermi scagliare nei confronti di alcuno, mi
piace dire e far sentire che qui c’è vita, non omologata e a
tratti non omologabile, che ce ne è per tutti, ognuno a modo suo nel
rispetto della libertà altrui. Sarebbe questa una “jihad”
salvifica. (Peppe)
I
colori sono il rimedio contro la monotonia del grigiore, la cui
tossica persistenza invade ormai qualsiasi ambito
dell'umana esistenza. Grigiore che estingue le diversità, le
identità, le fantasie, le creatività, i sogni. I colori sono segno
e simbolo di possibilità, di visione, di prospettiva, di curiosità,
di VITA. I colori sono l'antidoto all'omologazione, al manicheismo e
all'unilateralità. I colori sono gioia, crescita e miglioramento
consapevoli. E nei consapevoli limiti che ci definiscono proviamo,
noi minDance, a portare colori nelle vite di chi può e vuole…
"Colors " è il colore che vuole rinascere ed è musica che
vuole essere ascoltata più che sentita. (Toni)
Questo
secondo disco è davvero di grande livello emozionale e tecnico, Massimo se
fossi un agente pubblicitario che slogan useresti per promuovere la
vendita dell’album?
Non
so...”Colors” il respiro dei minDance viene da lontano... (Max)
Una
doppia domanda personale sempre a Massimo, a chi ti ispiri come batterista e quant’è
complicato (sempre se lo sia) farlo in un ensemble di musica “colta”
qual’ è minDance?
Sicuramente
il batterista che per primo mi ha ispirato è stato Stewart Copeland
dei Police, nel 1979 muovevo i primi passi, o aprivo le prime
orecchie, alla musica rock e quando nel 1985 mi sono seduto per la
prima volta davanti a una batteria pensavo e provavo i suoi tempi;
anche Bonzo John Bonham e Gavin Harrison, sono stati di grande
ispirazione per me, ma ciò
che mi piace realizzare sullo strumento è la cadenza ipnotica più
che i soli di batteria, e i volumi giusti. Ti ringrazio per il musica
“colta”, e si a volte è complicato, ma per aspera ad astra.
(Max)
In
ultimo: il futuro artistico cosa può riservare ai minDance?
Auguro
ai minDance un futuro lungo e produttivo e stiamo già guardando
tutti nella stessa direzione. (Max)
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